La historia del dibujo artístico es la evolución de la expresión gráfica humana, desde los primeros trazos simbólicos, hasta la sofisticación digital actual.
- Egipto (2050 a.C.): El dibujo se vuelve más estilizado y simbólico, utilizándose principalmente en papiros y muros de templos para temas religiosos y políticos.
- Grecia y Roma (1300 a.C. - 500 d.C.): Se introdujo la búsqueda de la proporción y el realismo de la figura humana. Los griegos sentaron las bases de la anatomía artística.
- Edad Media (Siglos V - XIV): El dibujo artístico se centró en la religión, utilizándose para ilustrar manuscritos y códices realizados por monjes.
- Renacimiento (Siglos XIV - XVI): Es la "época dorada" del dibujo. Artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel lo elevaron a una disciplina autónoma y fundamental para el estudio de la perspectiva, la anatomía y la naturaleza. Se popularizó el uso del papel y técnicas como el carboncillo y la tinta.
- Barroco y Siglo XIX (1600 - 1900): Surgieron nuevas técnicas como el pastel y se exploró el claroscuro. Con el realismo y el impresionismo, el dibujo comenzó a priorizar la captura del momento y la luz sobre la línea técnica estricta.
- Siglos XX y XXI: Aparecieron las vanguardias (cubismo, surrealismo), donde el dibujo se liberó de la obligación de copiar la realidad para explorar la abstracción y la expresión emocional.
- Analógico: Uso de soportes tradicionales (papel, lienzo) y materiales clásicos (grafito, óleo).
- Digital: Empleo de tabletas gráficas y softwares especializados (como Photoshop o Procreate) que permiten una creación inmediata y globalizada.
- Híbrido: Herramientas que digitalizan trazos manuales en tiempo real, facilitando la integración de técnicas clásicas en flujos de trabajo modernos.
El expresionismo fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no pocos puntos en común (rechazo de la mímesis, colores violentos…)
Sin embargo difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno…
El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva (aunque en definitiva, esa puede ser una definición válida del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano.
Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los principios del arte (ahí tenemos los casos de Bruegel, Goya, Van Gogh o El Greco, por citar solo algunos), pero fue en esta atmósfera pre-bélica de Alemania cuando artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual se unieron para la creación de un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—.
Tenemos así temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte, el sexo… Una forma de reflejar la amargura existencialista de esos años, con una visión trágica del ser humano en la que el individuo va a la deriva en la sociedad moderna, industrializada, donde se ve alienado, aislado… ¿Os suena…?
Hoy sigue existiendo el expresionismo… Nunca se fue del todo, sin embargo como corriente artística concreta y estéril debemos dividirla en cuatro periodos, cuatro escuelas artísticas que influyeron notablemente en todo el arte posterior:
- Etapa pre-expresionista: Dos figuras abrieron la puerta al expresionismo años antes que los jóvenes alemanes: Munch en Noruega y Ensor en Bélgica fueron pioneros en mostrar lo grotesco y lo extraño. En definitiva la disección del alma humana.
- Die Brücke: (El puente). En 1905 nace en Dresde «un puente para sentar las bases de un arte de futuro». El grupo Die Brücke, liderado por Kirchner, pretendió influir en la sociedad destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración fluir libre y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista. Un poco de crítica social los convirtió en enemigos número 1 de la juventud alemana… y ya sabemos lo que le gusta a la juventud los enemigos Nº1.El color y sus temas fueron las herramientas para ello: obras angustiosas, marginales y desagradables. También las técnicas: les interesaban las obras gráficas ásperas como la xilografía, con la que podían plasmar su concepción del arte de una manera directa, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban.
- Der Blaue Reiter: (El jinete azul). Surgió en Múnich en 1911, agrupando a artistas con una determinada visión del arte, en la que imperaba la libertad creadora y -otra vez- la expresión personal y subjetiva de las obras.Distaban de Die Brücke por no tener una actitud tan temperamental, una plasmación casi fisiológica de la emotividad. Der Blaue Reiter pretendían ser más refinados y espirituales, pretendiendo captar la esencia de la realidad a través de la purificación de los instintos. En vez de deformar, optaron por depurar, llegando así a la abstracción.
Finalmente hay que citar aparte el expresionismo libre de la Escuela de París, un grupo de gentes aún más variopinta que se crió en ese caldo de cultivo que fue el París de entreguerras (1905–1940). Como esponjas que eran, chuparon de todos los estilos habidos y por haber, incluido el expresionismo. Pululando por Montmartre y Montparnasse, los expresionistas de París vivían una vida mísera y bohemia -fueron conocidos como «les maudits» (los malditos)- y crearon un arte heterodoxo, generalmente bohemio y torturado.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son tan nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir, es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la «crítica», llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.
El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva realidad. Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra realidad.
Si bien desde el primer arte elaborado por el ser humano ya tenemos ejemplo de abstracción (desde las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en iglesias románicas), es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto (aparte tenemos a los neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes figuras aisladas como la de Hilma af Klint).
El arte abstracto existe independientemente de la realidad, la aleja. El arte abstracto no representa nada en realidad, pero como eso es imposible (¡hasta un lienzo en blanco representa algo!) los artistas abstractos tiraron (tiran) por dos vertientes diferenciadas:
- Por un lado al arte abstracto expresivo: subjetivo y espontáneo, improvisado a veces, donde el protagonismo es de la expresividad del artista, que prescinde de estructura y se vuelca en el gesto, el material y el sentimiento que provoca la obra. Es por tanto altamente ambiguo e interpretable.
- Por otro está el arte abstracto geométrico: que pretende ser objetivo y universal, planificado, en la que la composición es estructurada y que evita toda expresividad mediante el uso de la geometría. Suele defender una factura impersonal y pretende evocar claridad y precisión.
¿Qué hay que hacer?
Vamos a crear un cuaderno personal copiando e interpretando a los grandes maestros de la historia del arte. El tamaño es libre, sabiendo que si es muy pequeño, será más difícil dibujar los detalles. Se podrá emplear cualquier técnica quirográfica: lápices, rotuladores, bolígrafos... Podéis comprar un cuaderno o simplemente unir al final todas las hojas dibujadas. Se puede personalizar tiñendo las hojas por ejemplo.
Artistas a los que hay que copiar e interpretar:
- Leonardo da Vinci (1452 – 1519)
- Alberto Durero (1471-1528)
- Miguel Ángel Buonarroti (1475 – 1564)
- Rembrandt (1606 – 1669)
- Peter Paul Rubens (1577 – 1640)
- Francisco de Goya (1746-1828)
- Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780 – 1867)
- Edgar Degas (1834 – 1917)
- Augusto Rodin (1840-1917)
- Pablo Picasso (1881-1917)
- En total serán 20 dibujos. Elige el dibujo que quieras de cada artista.
- Leonardo da Vinci (1452 – 1519)
Alberto Durero (1471-1528)
- Miguel Ángel Buonarroti (1475 – 1564)
- Edgar Degas (1834 – 1917)
- Augusto Rodin (1840-1917)
- Pablo Picasso (1881-1917)
