¿Qué hay que hacer?
Hay que dibujar seis figuras de personas o animales mediante tramas de líneas, definiendo los volúmenes con luces y sombras empleando exclusivamente la línea como recurso gráfico.
Se dejan ejemplos en imágenes.
Fecha de entrega: 16 de enero.
Desde la ponencia de la asignatura me trasladan esta información y os la hago llegar para tratar de no caer en estos errores.
- Examen tipo 1: Claroscuro/mancha:
• No aportar el papel adecuado para dibujo, que debe ser poroso, de gramaje idóneo y no satinado.
• Desproporción o encaje inadecuado.
• Dedicarse a un solo detalle de la imagen habiendo descuidado la impresión general.
• Usar una sola dureza de grafito. Entonación de claroscuro pobre sin variedad de matices de grises entre el negro y el blanco. Descuido de las transparencias y reflejos en la zona de sombras.
• Técnica manida, poco hábil, con perfiles toscos, sombreado sin gradaciones, y con suciedad.
- Examen tipo 2: Síntesis lineal/trama:
• No aportar el papel adecuado para dibujo, que debe ser poroso, de gramaje idóneo y no satinado.
• Desproporción o encaje inadecuado.
• Dedicarse a un solo detalle de la imagen habiendo descuidado la impresión general.
• Gradación de grises con manchas y no con líneas.
• Técnica manida, poco hábil, con perfiles toscos, sombreado sin gradaciones, y con suciedad.
¿Qué hay que hacer?
Dibuja el interior de una habitación semejante a la del ejemplo.
Dibuja una esquina de tu pueblo semejante a la del ejemplo.
Dibuja el interior de tu habitación.
Dibuja a tres puntos una perspectiva de una ciudad a tres puntos de fuga desde abajo y desde arriba, a vista de rana y a vista de pájaro al del ejemplo.
Dibuja un paisaje empleando la perspectiva atmosférica o aérea, generando distintos términos empleando: el contraste, la escala y la claridad para generar la ilusión de profundidad.
Aunque vimos el curso pasado esto, vamos a trabajar los distintos sistemas de representación, para poder colocar cualquier elemento en el espacio, conseguir la ilusión de profundidad, haciéndonos creer que una dimensión plana pueda tener profundidad, una mentira maravillosa de la que se nutre el arte, un cuento que nos hace la vida más rica.
ENLACE: https://disenhoguadiana.blogspot.com/
Junto a la perspectiva lineal, encontramos perspectiva atmosférica o aérea. Es una técnica que simula el efecto de la atmósfera sobre los objetos distantes. A diferencia de las perspectivas lineal y axonométrica, que se centran en la geometría y la alineación de los objetos, la perspectiva aérea se basa en cambios de color, contraste y nitidez para crear la ilusión de profundidad.
El término fue acuñado por Leonardo da Vinci, pero la técnica pudo haber sido empleada ya en las antiguas pinturas murales grecorromanas de Pompeya. Se descubrió que el polvo y la humedad en el ambiente causaban la dispersión de la luminosidad; siendo la luz de longitud de onda corta (azul) más diseminada y la luz de longitud de onda larga (roja) menos esparcida.
La perspectiva aérea es una técnica artística que busca representar la profundidad y la distancia haciendo uso de los efectos de la atmósfera sobre la apariencia de los objetos.
A medida que los objetos se alejan del observador, la atmósfera los envuelve y altera su apariencia, haciéndolos parecer más pálidos, menos definidos y con menos contraste. Esta técnica fue utilizada por primera vez de manera prominente durante el Renacimiento por artistas como Leonardo da Vinci, quien la empleó para añadir un realismo mayor a sus paisajes y fondos en sus pinturas.
La clave de la perspectiva aérea radica en cómo la luz, la humedad y las partículas en el aire dispersan los rayos de luz, afectando la percepción de los colores y las formas a distancia. Los objetos más lejanos tienden a aparecer más azulados o grises debido a la dispersión de la luz azul en la atmósfera, mientras que los objetos más cercanos conservan su color y nitidez.
Esta técnica es particularmente efectiva en la representación de paisajes amplios, donde la gradación suave y la disminución del contraste pueden transmitir una sensación de vastedad y profundidad.
Para aplicar la perspectiva aérea de manera efectiva, es importante entender y manipular sus principales elementos:
La perspectiva aérea tiene varias características que la hacen única y especialmente útil para ciertos tipos de ilustraciones y diseños:
Sutileza en la transición. A diferencia de las líneas fuertes y los puntos de fuga de la perspectiva lineal, la perspectiva aérea se basa en gradaciones sutiles y cambios suaves de tono y color. Esto permite una transición más natural y menos rígida entre los objetos cercanos y distantes.
Aplicación artística. Esta técnica es particularmente valiosa en pinturas paisajísticas, ilustraciones de fantasía y cualquier obra que busque capturar una atmósfera envolvente. La perspectiva aérea no solo añade profundidad, sino también un sentido de atmósfera y clima, contribuyendo al estado de ánimo general de la obra.
Flexibilidad en la representación. La perspectiva aérea no está restringida por reglas estrictas de geometría o proporción, lo que ofrece al artista más libertad para experimentar y adaptar la técnica según las necesidades de la composición.
Enfoque en la percepción humana. A través de la perspectiva aérea, los artistas pueden replicar cómo nuestros ojos perciben realmente los objetos en el mundo real, afectando no solo cómo se ven, sino también cómo se sienten en términos de proximidad y espacialidad.
La perspectiva aérea es una técnica poderosa y versátil que puede transformar la forma en que representamos la profundidad y la atmósfera en nuestras obras. A diferencia de otros tipos de perspectivas más estructuradas y geométricas, la perspectiva aérea ofrece una manera más natural y envolvente de capturar la realidad tal como la percibimos, llena de sutilezas y cambios tonales que reflejan el efecto de la atmósfera.
Mediante el movimiento y el ancho, vamos a experimentar la creación de formas a partir de las imágenes dadas.
¿Qué hay que hacer?
Doce dibujos en total, tres por cada categoría.
Plazo de entrega recomendado: 6 de diciembre.
¿Qué hay que hacer?
A partir de la imagen de una artista, descomponer las formas en tres pasos, hasta realizar un retrato del artista con el estilo del mismo. Es aconsejable investigar la obra de cada artista y proceder como en los ejemplos. Está la posibilidad de hacer un autorretrato con el estilo de algún artista que descomponga las formas como en las vanguardias y la descomposición de las formas de algún objeto, animal o paisaje.
Hay que hacer 5 descomposiciones en total en tres pasos. Se pueden elegir otros artistas o emplear los ejemplos o imágenes presentes.
Plazo de entrega recomendado: 21 de noviembre.
¿Qué hay que hacer?
¿Qué hay que hacer?
PRIMERA ACTIVIDAD:
Dibujar al menos diez cabezas de rostros humanos, descomponiéndolo en triángulos.
¿Qué hay que hacer?
Sacar las líneas estructurales o líneas de acción de los modelos, junto al esqueleto estructural de todas las figuras que salen en las imágenes .
Plazo recomendado de entrega: 7 de octubre.
Esta tarea es voluntaria para subir calificación. Hay que hacer al menos veinte dibujos, entre la parte de osteología y miología. Os animo a hacerla con la idea de comprender mejor la figura humana y poder mejorar vuestro nivel de dibujo.
RECURSOS.
Ánimo.
SABERES BÁSICOS O CONTENIDOS DE LA ASIGNATURA DIBUJO ARTÍSTICO II
A. Concepto e historia del dibujo.
1. El dibujo en el arte de los siglos XIX y XX. Obras más representativas de diferentes creadores y creadoras. Renovación del dibujo académico en el siglo XIX. Paisaje y flores. Obras más representativas de diferentes artistas, de Friedrich a Rothko.
2. De la representación objetiva a la subjetiva. De lo figurativo a la abstracción. La abstracción geométrica: Wassili Kandinsky, Piet Mondrian, Paul Klee, KasimirMalevich, Theo Van Doesburg.
3. La Bauhaus y el diseño. WalterGropius, Hannes Meyer y Mile van der Rohe.
4. El dibujo como expresión artística contemporánea. Valor añadido y salidas profesionales. Dibujar en el espacio.
B. La expresión gráfica y sus recursos elementales.
1. La retentiva y la memoria visual.
2. Las formas y su transformación: la forma entendida como una estructura de elementos y relaciones. Espacios negativos y positivos de las formas.
3. Textura visual y táctil.
4. Técnicas gráfico-plásticas, tradicionales, alternativas y digitales.
C. Dibujo y espacio.
1. La línea, el dibujo y la tridimensionalidad.
2. La perspectiva. La perspectiva cónica y el dibujo artístico.
3. Encuadre y dibujo del natural. Relación con la fotografía.
4. Espacios interiores, exteriores, urbanos y naturales.
5. Geometría y naturaleza. Proporción áurea.
D. La luz, el claroscuro y el color.
1. El sombreado y la mancha. Escalas y claves tonales. Gradiente de textura.
2. Cualidades y relaciones del color. El contraste de color. Color local, tonal y ambiental. Usos del color en el dibujo. Valor expresivo de la luz y el color.
3. Dimensiones del color. Aplicaciones prácticas.
4. Perspectiva atmosférica.
5. El color asociado a la línea. Arte óptico y geométrico.
E. La figura humana.
1. Representación del ser humano a lo largo de la historia. Canon y proporción. Los estereotipos de belleza en diferentes épocas. Del canon griego a la representación de la figura humana en el siglo XX.
2. Nociones básicas de anatomía artística. Antropometría. Estudio del movimiento en la figura humana (Matisse, Duchamp, Peter Jansen, entre otros).
3. Apunte del natural. Estudio y representación del escorzo. Análisis del escorzo en la obra de Andrea Mantegna y otros autores.
4. El retrato. Facciones y expresiones.
5. El cuerpo humano como soporte y como instrumento de expresión artística.
F. Proyectos gráficos colaborativos.
1. La distribución de tareas en los proyectos gráficos colaborativos: criterios de selección a partir de las habilidades requeridas y de las necesidades del proyecto. Análisis de los recursos humanos y materiales disponibles en la distribución de tareas.
2. Fases de los proyectos gráficos. Elementos transversales en las fases de desarrollo: herramientas y estrategias para el seguimiento de la planificación, la coordinación y el desarrollo de ajustes en las tareas programadas ante imprevistos, análisis del impacto debido a la incorporación de nuevos elementos y sistemas no contemplados en el inicio.
3. Estrategias de selección de técnicas, herramientas, medios y soportes del dibujo adecuados a distintas disciplinas.
4. Estrategias de evaluación de las fases y los resultados de proyectos gráficos. El error como oportunidad de mejora y aprendizaje.
En la barra derecha del blog, tenéis todos los contenidos de la asignatura desarrollados.
Tras el parón estival, tenemos que seguir haciendo cosas y aprendiendo, así que durante el presente curso os daré esta asignatura. Os tengo que "adiestrar" para que saquéis la máxima nota posible en el acceso a la universidad, para poder elegir vuestras primeras opciones. Espero que la travesía no tenga muchos temporales y si los hubiese, capearlos con valentía.
Mucho ánimo.
Arturo.
