XX Concurso: Diseño de la portada de la agenda escolar del IES Guadiana.
Bases:
1.Tema: diseño de la portada de la agenda escolar del IES Guadiana para el curso 2025/2026.
2.Requisitos de los participantes: alumnado del IES Guadiana en el curso 2024/25. Cada participante presentará un máximo de 3 trabajos.
3. Plazo de presentación: hasta el 30 de abril de 2026. Se pueden presentar los trabajos en papel o en soporte informático (como archivos “.jpg” o similares), a los profesores/as del Departamento de Dibujo o en la Secretaría del centro.
4. Características de las obras: Los trabajos han de ser inéditos. El tamaño de las obras, excluido el margen si lo tienen, debe respetar las proporciones del formato DIN A4 (1 : 1,41) en posición vertical. Para los trabajos en papel, el tamaño mínimo será A5, el máximo A4. Deben aparecer, de forma destacada, las palabras “IES Guadiana” y “Curso 2025/26”. Debe haber una zona despejada destinada al nombre del alumno/a propietario de cada agenda, y una zona circular con el logotipo del IES (o despejada para incorporarlo más tarde). El trabajo debe incorporar motivos relacionados con el IES Guadiana o su entorno. Se pueden consultar los diseños de años anteriores en la página web del IES Guadiana.
5. Premio: el ganador/a del concurso recibirá un premio consistente en un diploma acreditativo y un vale de 30 euros para gastar en una librería papelería de Ayamonte, o del pueblo en que viva.
-Hay que ir de lo general a lo particular. -Localizar los límites del dibujo, el punto más alto, bajo, más a la izquierda y más a la derecha. De esta forma no nos saldremos del papel y quedará centrado. -Dibujamos de dentro hacia afuera, trazando la línea invisible de simetría que divide el rostro en dos partes iguales. -Encajamos el rostro en una estructura que lo divida en partes proporcionales. -Definimos por encima los elementos. -En función de la dirección de la luz y del tipo que sea empezamos con las sombras. -Se terminan los detalles últimos.
Materiales:
Para el encaje comenzamos con lápices duros (serie H o HB), dependiendo de lo que presionemos usaremos uno determinado.No conviene de todas formas apretar demasiado ya que tendremos que borrar y se puede deteriorar el papel. Los lápices blandos (serie B), los emplearemos para las sombras, valorando con más intensidad en función de lo que apretemos el lápiz o el número del mismo.
También es muy interesante probar distintos tipos de papeles, gomas blandas, difuminos de distinto tamaño, pinceles para aplicar polvo de grafito...
Hacer un autorretrato frontal y otro a tres cuartos lápiz con el rosto con una expresión neutra.
Hacer seis autorretratos con expresiones distintas y reconocibles. Exagéralas si quieres.
En total son 8 autorretratos a lápiz . Prueba distintos papeles, gomas, difuminos, pinceles para aplicar polvo de grafito...
Es recomendable que alguien te haga las fotos, ya que un selfie deforma las proporciones del rostro al estar la cámara demasiado cerca del sujeto. También editar las fotos en blanco y negro, tratando de obtener una valoración tonal muy amplia, es decir, obtener muchos tipos de grises. Para eso trata de hacer la foto sobre un fondo blanco o negro. Después hay que imprimirlas a blanco y negro para trabajar en casa y en clase.
Recordamos nuestro canon de belleza, somos perfectos, únicos y nos aceptamos tal y como somos.
Vamos a ver la representación del cuerpo humano a lo largo de la historia y sobre todo en las últimas centurias, ya que nos ayudará a mejorar nuestro autoconcepto, viendo como dependiendo del momento histórico o moda de turno, la sociedad aprueba como correctos unos cuerpos y no otros, cosa absurda que abordaremos con espíritu crítico.
La anatomía artística es un área que pretende estudiar y analizar las estructuras del cuerpo que son responsables del aspecto y la forma de la figura humana. Estas formas se deben sobre todo a las estructuras óseas y musculares.
El interés por las proporciones humanas fue una de las primeras preocupaciones estéticas del arte clásico. Para afrontar este reto artístico se establece una proporción entre la altura total del cuerpo humano y el alto de su cabeza. Esta proporción o canon puede entenderse como cuántas cabezas caben en la altura del cuerpo.
¿Qué hay que hacer?
Casi todos no estamos conforme con nuestro cuerpo, hasta algunas modelos no lo están ¿Porqué crees que ocurre esto?
Dibuja el cuerpo de los siguientes modelos de hombre.
Dibuja el cuerpo de los siguientes modelos de mujer.
¿Cuál es tu forma geométrica? ¿Puedes cambiarla con alimentación y ejercicio?
Busca un nombre para tu canon de belleza o si te encuentras en uno que exista, dime cuál es.
Reproduce a partir de las dos imágenes el canon de Policleto a lápiz.
Para los artistas griegos del período clásico el canon trascenderá la observación empírica y llegará a ser un concepto ideal, es decir, una norma que indicaba cómo debían ser las proporciones de un cuerpo humano ideal y armónico. En las imágenes de abajo, puede apreciarse el canon de Policleto, que variaba entre 7 y 8 cabezas sobre la estatura.
Dibuja a partir de la imagen, la evolución del canon según las distintas edades.
La evolución del canon a lo largo del crecimiento humano va aumentando con la edad hasta la plenitud adulta y a partir de aquí comienza a menguar debido a la compresión de las articulaciones.
A pesar de las variaciones del canon, a partir de la adolescencia la proporción de los segmentos corporales citados respecto a la altura apenas sufre cambios.
La historia del dibujo artístico es la evolución de la expresión gráfica humana, desde los primeros trazos simbólicos, hasta la sofisticación digital actual.
Etapas principales de su evolución.
Prehistoria (hace 73,000 años):
Los primeros dibujos conocidos son patrones de líneas cruzadas encontrados en Sudáfrica. Posteriormente, en el Paleolítico Superior (35,000 a.C.), surgieron las pinturas rupestres en cuevas (como Altamira), utilizando pigmentos naturales para representar animales y escenas de caza con fines rituales y comunicativos.
Antigüedad:
Egipto (2050 a.C.): El dibujo se vuelve más estilizado y simbólico, utilizándose principalmente en papiros y muros de templos para temas religiosos y políticos.
Grecia y Roma (1300 a.C. - 500 d.C.): Se introdujo la búsqueda de la proporción y el realismo de la figura humana. Los griegos sentaron las bases de la anatomía artística.
Edad Media (Siglos V - XIV): El dibujo artístico se centró en la religión, utilizándose para ilustrar manuscritos y códices realizados por monjes.
Renacimiento (Siglos XIV - XVI): Es la "época dorada" del dibujo. Artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel lo elevaron a una disciplina autónoma y fundamental para el estudio de la perspectiva, la anatomía y la naturaleza. Se popularizó el uso del papel y técnicas como el carboncillo y la tinta.
Barroco y Siglo XIX (1600 - 1900): Surgieron nuevas técnicas como el pastel y se exploró el claroscuro. Con el realismo y el impresionismo, el dibujo comenzó a priorizar la captura del momento y la luz sobre la línea técnica estricta.
Siglos XX y XXI: Aparecieron las vanguardias (cubismo, surrealismo), donde el dibujo se liberó de la obligación de copiar la realidad para explorar la abstracción y la expresión emocional.
El Dibujo en la Actualidad
Hoy en día, el dibujo artístico convive en dos formatos:
Analógico: Uso de soportes tradicionales (papel, lienzo) y materiales clásicos (grafito, óleo).
Digital: Empleo de tabletas gráficas y softwares especializados (como Photoshop o Procreate) que permiten una creación inmediata y globalizada.
Híbrido: Herramientas que digitalizan trazos manuales en tiempo real, facilitando la integración de técnicas clásicas en flujos de trabajo modernos.
La ruptura expresionista: Obras como El Grito de Edvard Munch marcaron el paso del realismo a la expresión de la angustia interna mediante el trazo.
El expresionismo fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no pocos puntos en común (rechazo de la mímesis, colores violentos…)
Sin embargo difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno…
El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva (aunque en definitiva, esa puede ser una definición válida del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano.
Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los principios del arte (ahí tenemos los casos de Bruegel,Goya,Van Gogh o El Greco, por citar solo algunos), pero fue en esta atmósfera pre-bélica de Alemania cuando artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual se unieron para la creación de un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—.
Tenemos así temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte, el sexo… Una forma de reflejar la amargura existencialista de esos años, con una visión trágica del ser humano en la que el individuo va a la deriva en la sociedad moderna, industrializada, donde se ve alienado, aislado… ¿Os suena…?
Hoy sigue existiendo el expresionismo… Nunca se fue del todo, sin embargo como corriente artística concreta y estéril debemos dividirla en cuatro periodos, cuatro escuelas artísticas que influyeron notablemente en todo el arte posterior:
Etapa pre-expresionista: Dos figuras abrieron la puerta al expresionismo años antes que los jóvenes alemanes: Munch en Noruega y Ensor en Bélgica fueron pioneros en mostrar lo grotesco y lo extraño. En definitiva la disección del alma humana.
Die Brücke:(El puente).En 1905 nace enDresde«un puente para sentar las bases de un arte de futuro».El grupoDie Brücke,liderado porKirchner,pretendió influir en la sociedad destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración fluir libre y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista. Un poco de crítica social los convirtió en enemigos número 1 de la juventud alemana… y ya sabemos lo que le gusta a la juventud los enemigos Nº1.
El color y sus temas fueron las herramientas para ello: obras angustiosas, marginales y desagradables. También las técnicas: les interesaban las obras gráficas ásperas como la xilografía, con la que podían plasmar su concepción del arte de una manera directa, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban.
Der Blaue Reiter:(El jinete azul).Surgió enMúnichen 1911, agrupando a artistas con una determinada visión del arte, en la que imperaba lalibertad creadoray -otra vez- la expresión personal y subjetiva de las obras.
Distaban de Die Brücke por no tener una actitud tan temperamental, una plasmación casi fisiológica de la emotividad. Der Blaue Reiter pretendían ser más refinados y espirituales, pretendiendo captar la esencia de la realidad a través de la purificación de los instintos. En vez de deformar, optaron por depurar, llegando así a la abstracción.
Finalmente hay que citar aparte el expresionismo libre de la Escuela de París, un grupo de gentes aún más variopinta que se crió en ese caldo de cultivo que fue el París de entreguerras (1905–1940). Como esponjas que eran, chuparon de todos los estilos habidos y por haber, incluido el expresionismo. Pululando por Montmartre y Montparnasse, los expresionistas de París vivían una vida mísera y bohemia -fueron conocidos como «les maudits» (los malditos)- y crearon un arte heterodoxo, generalmente bohemio y torturado.
Cubismo y abstracción:Pablo Picasso y Vasili Kandinski revolucionaron la forma de entender el espacio y la figura, alejándose de la perspectiva tradicional renacentista.
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados solo por la presencia de la cola del mismo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son tan nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir, es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la «crítica», llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.
El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva realidad. Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra realidad.
Si bien desde el primer arte elaborado por el ser humano ya tenemos ejemplo de abstracción (desde las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en iglesias románicas), es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto (aparte tenemos a los neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes figuras aisladas como la de Hilma af Klint).
El arte abstracto existe independientemente de la realidad, la aleja. El arte abstracto no representa nada en realidad, pero como eso es imposible (¡hasta un lienzo en blanco representa algo!) los artistas abstractos tiraron (tiran) por dos vertientes diferenciadas:
Por un lado al arte abstracto expresivo: subjetivo y espontáneo, improvisado a veces, donde el protagonismo es de la expresividad del artista, que prescinde de estructura y se vuelca en el gesto, el material y el sentimiento que provoca la obra. Es por tanto altamente ambiguo e interpretable.
Por otro está el arte abstracto geométrico: que pretende ser objetivo y universal, planificado, en la que la composición es estructurada y que evita toda expresividad mediante el uso de la geometría. Suele defender una factura impersonal y pretende evocar claridad y precisión.
Surrealismo:El surrealismo es un movimiento artístico surgido en la década de 1920 que se caracteriza por expresar imágenes irracionales y oníricas. André Breton es considerado el padre del surrealismo y esta corriente pretendía superar el racionalismo en el arte y explorar el subconsciente. El movimiento estaba influido por las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud y utilizaba técnicas colaborativas para crear combinaciones inesperadas en las obras de arte.
Salvador Dalí utilizó el dibujo preciso para representar mundos oníricos e ilógicos, propios del inconsciente.
¿Qué hay que hacer? Vamos a crear un cuaderno personal copiando e interpretando a los grandes maestros de la historia del arte. El tamaño es libre, sabiendo que si es muy pequeño, será más difícil dibujar los detalles. Se podrá emplear cualquier técnica quirográfica: lápices, rotuladores, bolígrafos... Podéis comprar un cuaderno o simplemente unir al final todas las hojas dibujadas. Se puede personalizar tiñendo las hojas por ejemplo.
Artistas a los que hay que copiar e interpretar:
Leonardo da Vinci (1452 – 1519)
Alberto Durero (1471-1528)
Miguel Ángel Buonarroti (1475 – 1564)
Rembrandt (1606 – 1669)
Peter Paul Rubens (1577 – 1640)
Francisco de Goya (1746-1828)
Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780 – 1867)
Edgar Degas (1834 – 1917)
Augusto Rodin (1840-1917)
Pablo Picasso (1881-1917)
En total serán 20 dibujos. Elige el dibujo que quieras de cada artista.
La interpretación será un dibujo realizado de manera semejante al estilo del artista.
